Tecnica della fotografia di paesaggio. Corsi: Fotografare la fotografia di paesaggio

- genere belle arti, il cui compito principale è quello di mostrare la natura circostante sia nella sua forma originale che in quella modificata in un modo o nell'altro dall'uomo. Poiché la fotografia è una delle belle arti, fotografia di paesaggio corrisponde pienamente a questa definizione. Il principale centro visivo fotografia di paesaggioè la natura in tutte le sue manifestazioni.

Naturalmente, il paesaggio come genere è apparso molto prima dell'invenzione della fotografia, nella pittura. E affinato nel corso dei secoli mezzi artistici le immagini di paesaggi costituivano una serie di condizioni necessarie richieste per questo genere di fotografia. Lineare prospettiva , prospettiva tonale (aerea), prospettiva ottica,composizione del quadro , spazio luminoso E colore - queste sono le caratteristiche principali della fotografia di paesaggio, capace non solo di trasmettere in modo molto accurato lo stato della natura circostante in un determinato momento, ma anche di evidenziare centro semantico immagine senza l'uso di ulteriori tecniche di manipolazione. E nonostante il fatto che nella fotografia di paesaggio sia consentita la presenza di persone o animali nell'inquadratura, a loro viene chiaramente assegnato il ruolo di staffaggio, un elemento del paesaggio che esiste per ravvivare l'immagine e gioca un ruolo secondario in questa immagine.

Fondamentalmente, la fotografia di paesaggio è la fotografia documentaria sulla natura. A seconda del tipo di spazio rappresentato, la fotografia di paesaggio può essere terrestre, acquatica, astronomica e meteorologica. La fotografia di paesaggio raffigura il paesaggio, la topografia e la vegetazione ed è sia rurale che urbana.

Paesaggio acquatico (paesaggio marino, marina) è un'immagine dell'elemento acqua (mare).

Fotografia di paesaggi astronomici raffigura i cieli (stelle, costellazioni, Sole, Luna),

e meteorologico: tempo e precipitazioni (nebbia, pioggia, nuvole, tornado, ecc.).

Secondo il modo di rappresentare lo spazio, la fotografia di paesaggio può essere da camera e panoramica. La fotografia fotografica in questo caso non implica una cerchia ristretta di spettatori, ma si esprime puramente caratteristiche tecniche- un angolo di visione piccolo e stretto dello spazio rappresentato.

Fotografia panoramica di paesaggiè l'esatto contrario: si tratta di una fotografia, il cui angolo di visione può spesso superare i 180 gradi.

A seconda del grado di percezione da parte dello spettatore, il paesaggio può, per analogia con la musica, essere minore o maggiore. Tragico o solenne. Triste o allegro. Nel risolvere questo problema, il fotografo viene in aiuto teoria dei colori, vale a dire una delle sue sezioni - psicologia del colore. Sapendo quali colori e come influenzano la coscienza dello spettatore, il fotografo può adattarsi bilanciamento del colore della composizione paesaggio per raggiungere un risultato specifico. Allo stesso tempo, in un paesaggio, le tonalità fredde non possono sempre creare un'atmosfera di ostilità, e le tonalità calde possono creare un'atmosfera di cordialità. Una piccola vegetazione colorata sullo sfondo di nuvole temporalesche nere sembra indifesa e l'immagine nel suo insieme evoca una sensazione di ansia, mentre il freddo Elbrus evoca stupore e gioia per la sua grandezza.

Naturalmente, molti degli spazi e stati naturali elencati possono facilmente sovrapporsi contemporaneamente in un'immagine, ma in questo caso è importante che il fotografo paesaggista decida cosa sia esattamente in questa immagine centro semantico e selezionare questo centro utilizzando arti visive — prospettive, composizioni, Sveta, colori.

Se non esiste un centro di questo tipo, la fotografia di paesaggio è puramente estetica, di natura narrativa e viene utilizzata per scopi decorativi, scientifici o giornalistici. La fotografia di paesaggio appartiene proprio alla categoria della percezione estetica - all'aria aperta- una rappresentazione fedele della ricchezza colorata della natura dei cambiamenti di colore nelle condizioni naturali sotto l'influenza della luce solare e dell'atmosfera.

Se esiste ancora un centro semantico nella fotografia di paesaggio, allora un tale paesaggio sarà carico di energia emotivo-drammatica (o epica) e acquisirà le caratteristiche fotografia artistica di paesaggio.

Insieme alle condizioni obbligatorie per creare fotografie di paesaggi, ci sono anche una serie di condizioni di natura specifica: dinamismo , angolo , dettaglio. Considerando che la fotografia è una forma d'arte statica e silenziosa, è nella fotografia di paesaggio che è più difficile trasmettere con grande precisione alcuni fenomeni atmosferici. Come mostrare il forte vento in una foto di un deserto? Come si possono rappresentare i giganti delle montagne in modo più maestoso? È in questi casi che un fotografo paesaggista si salva grazie alla conoscenza della dinamica dell'inquadratura, del punto di ripresa e dell'angolazione.

È diventato molto diffuso al giorno d'oggi fotografia di paesaggi turistici. Pur non essendo essenzialmente un genere a sé stante, la fotografia paesaggistica turistica è diventata molto popolare sia grazie alla disponibilità di attrezzature fotografiche sia grazie alla possibilità di visitare gli angoli più remoti del nostro pianeta.

La caratteristica principale della fotografia di paesaggio è la sua accessibilità. Non richiede alcun trucco scenografico o scenico; non dipende dallo stato d'animo della modella o dalle preferenze del cliente. Dipende dalla natura circostante e dalle condizioni meteorologiche. E in questo senso fotografia di paesaggio unico. Che sia un parco o un vicolo all'interno della città, o magari una catena montuosa o la tranquilla distesa di un lago oltre i suoi confini – ovunque tu sia, in vacanza o in viaggio d'affari, nel tuo Paese o all'estero, la natura è presente ovunque - stupire uno spazio naturale capace di cambiare forma, contenuto e colore ogni minuto, giorno dopo giorno, tutto l'anno, da migliaia di anni... E anche se la fotografia di paesaggio che scatti non contiene alcun nucleo semantico, sarà sempre estetica, il che significa che ti ricorderà sempre l'essenza e le forme della bellezza.

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Nella fotografia, il paesaggio non è solo una ripresa di vedute e non una riproduzione fedele al protocollo di questo o quell'angolo della natura. Non c'è da stupirsi che affermino che un fotografo di paesaggi non dovrebbe essere tanto un botanico quanto un poeta! E se stiamo parlando di creare una fotografia artistica, abbiamo il diritto di esigere dal suo autore un'accurata selezione del materiale, una corretta comprensione del materiale e del significato creatività artistica. Veridicità, poesia, pittorescità dell'immagine fotografica (Ivanov - Alliluyev, 1971).

Un paesaggio artistico creato mediante la fotografia dovrebbe evocare nello spettatore le stesse esperienze profonde di un paesaggio creato mediante la pittura. E ci sono molti di questi lavori che soddisfano questi elevati requisiti in fotografia (Ivanov-Alliluyev, 1971; Levkina, 2013).

La fotografia di paesaggio contemporanea è molto varia. Il paesaggio è stato preservato e sviluppato, in cui i suoi autori seguono gli esempi di dipinti classici. Qui, ovviamente, non si può parlare di imitazione insensata e di semplice ripetizione di tecniche ed effetti trovati dai pittori. La fotografia non perde la sua indipendenza, la specificità della modernità. Ma le analogie nelle trame e nelle strutture visive rimangono abbastanza evidenti; Tali paesaggi sono interessanti perché sviluppano il gusto artistico, dimostrano abilità pittorica ed evocano idee associative nello spettatore (Ivanov-Alliluyev, 1971; Levkina, 2013).

Caratteristiche della fotografia di paesaggio

Si ritiene generalmente che i paesaggi possano essere fotografati in tutte le condizioni atmosferiche, dal sole splendente al lampo dei temporali, e la cosa più importante nella fotografia di paesaggio è alzarsi presto per catturare la luce del mattino, poiché il cielo mattutino è il più limpido e più trasparente (Harman, 2011).

La caratteristica più importante della fotografia di paesaggio è la mancanza di scienza nella fotografia di paesaggio artistico. Non esiste un libro nel mondo della letteratura fotografica chiamato “The Art of Landscape Photography”. Il motivo è semplice: l'arte della fotografia di paesaggio è così poliedrica e complessa che questa scienza risulta essere una metascienza. Come scritto nel libro di L.D. Kursky, Ya.D. La “Guida illustrata all’insegnamento della fotografia” di Feldman: “La caratteristica principale della fotografia di paesaggio è costruttiva. A differenza di una natura morta, qui è impossibile apportare modifiche. È impossibile, ad esempio, eliminare il fianco di una montagna che interferisce con la composizione complessiva; è impossibile modificare la collocazione dell'insieme; Pertanto, il lavoro sulla disposizione della trama è limitato all'unico metodo di scelta del punto di ripresa e della scelta dell'obiettivo con quello desiderato lunghezza focale. Possono esserci molti di questi punti, e ognuno di essi ha la propria peculiarità, la propria individualità”. Ogni paesaggio ha diversi piani: vicino, lontano e medio. Il loro aspetto è associato a una riduzione della scala degli oggetti che si muovono nelle profondità dello spazio, verso la linea dell'orizzonte. Confronto di scale forme lineariè una prospettiva lineare di una fotografia (Belov, 2012).

Una parte integrante della costruzione di una fotografia è l'illuminazione. La luce è una delle fonti più determinanti delle nostre sensazioni. È considerato il mezzo principale per creare un'opera fotografica artistica (Dyko, 1977).

L'individualità di un paesaggio dipende principalmente dall'unità e dall'integrità che un effetto luminoso ben scelto conferisce alla natura (Belov, 2012; Dyko, 1977; Wade, 1989).

La luce rende possibile vedere il mondo realmente esistente. Allo stesso tempo ruolo importante gioca sull'originalità e la suggestione dell'illuminazione, poiché avviene nei diversi momenti della giornata: all'alba, al mattino, a mezzogiorno, al pomeriggio, al tramonto. Inoltre, anche il periodo dell'anno, la temperatura e il paesaggio della zona sono importanti quando si fotografa. Di conseguenza, possiamo concludere che un fotografo di paesaggi incontra molti problemi insoliti e difficili da risolvere (Belov, 2012).

Prima di tutto, lo attende il seguente paradosso: trovandosi direttamente in quel punto dello spazio da cui si apre un paesaggio mozzafiato, una persona con una macchina fotografica sperimenta l'influenza potente e diversificata della natura circostante. Il suo sguardo copre contemporaneamente 180 gradi di prospettiva e, se si guarda intorno, tutti i 360. Nella fotografia, la prospettiva, di regola, è limitata a 60 gradi con una lunghezza focale di un obiettivo tipico di 28 mm (Ilyinsky, Petunina, 1993 ; Belov, 2012).

In secondo luogo, il fotografo è influenzato dalle immagini visive, uditive e olfattive. Qualcosa accade costantemente intorno: gli uccelli cantano, i fiori odorano, un ruscello mormora, il vento soffia. Anche le sensazioni tattili svolgono un ruolo importante percezione generale: sotto i nostri piedi sentiamo pietre taglienti, radici di alberi e altre irregolarità del paesaggio, possiamo toccare la corteccia ruvida o liscia degli alberi, far rotolare una palla di neve tra i palmi delle mani (Wright, 2010; Wade, 1989).

La materialità del paesaggio è chiaramente visibile in primo piano; a un metro o due dal fotografo, la trama è chiaramente visibile: fili d'erba, pietre e foglie di alberi sono disegnati in dettaglio. Il paradosso è che il risultato fotografico, invece di questa moltitudine di deliziose percezioni e sensazioni, sarà una sorta di banale fotografia o immagine piatta sul monitor, che trasmetterà solo una piccola parte di tutto ciò che è stato sentito al momento dello scatto (Belov. 2012;

Un'altra delle gravi difficoltà che deve affrontare un fotografo paesaggista è la scomparsa della terza coordinata. In un paesaggio, la profondità dello spazio è solitamente di molti chilometri! E nella fotografia l'immagine si appiattisce e diventa bidimensionale. Come ripristinare un'immagine tridimensionale della natura? La prospettiva lineare ci aiuterà in questo (Lapin, 2005).

Prospettiva deriva dal latino perspicere: guardare attraverso. I principi della prospettiva lineare furono sviluppati da molti artisti del Rinascimento. Questi includono Leonardo da Vinci e Albrecht Dürer. Ad esempio, Leonardo da Vinci stabilì i principi di base della riduzione delle immagini. La scienza di rappresentare oggetti spaziali su un piano o su qualsiasi superficie secondo quelle apparenti riduzioni delle loro dimensioni, cambiamenti di forma e rapporti di luce e ombra che si osservano in natura. In altre parole, questo è: un modo di rappresentare corpi volumetrici che trasmette la propria struttura spaziale e posizione nello spazio

Figura 19.

Fig.20.

Una prospettiva su come appariva la scienza durante il Rinascimento, poiché in quel periodo fioriva il movimento realistico nelle belle arti. Sistema di trasmissione creato percezione visiva le forme spaziali e lo spazio stesso su un piano hanno permesso di risolvere il problema che devono affrontare architetti e artisti. Molti di loro hanno utilizzato il vetro per determinare la prospettiva, sul quale hanno delineato la corretta immagine prospettica degli oggetti richiesti (Lapin, 2005).

IN belle arti e la fotografia, la prospettiva può essere utilizzata in vari modi, che viene utilizzata come uno dei mezzi artistici che esalta l'espressività delle immagini. A seconda dello scopo dell'immagine prospettica, la prospettiva include i seguenti tipi: prospettiva lineare in avanti, prospettiva lineare inversa (Morozov, 1985).

Prospettiva lineare diretta. Un tipo di prospettiva progettata per un punto di vista fisso e che presuppone un unico punto di fuga sulla linea dell'orizzonte. Gli oggetti si restringono proporzionalmente man mano che si allontanano dal primo piano. La prospettiva diretta è stata a lungo riconosciuta come l’unico vero riflesso del mondo sul piano pittorico. Tenendo conto del fatto che la prospettiva lineare è un'immagine costruita su un piano, il piano può essere posizionato verticalmente, obliquamente e orizzontalmente, a seconda dello scopo delle immagini prospettiche (Fig. 21) (Kursky, Feldman, 1981).

Fig.21.

"Boschetto di betulle".

Un esempio del trasferimento di spazio in questa fotografia è rappresentato dalla prospettiva lineare. Il sentiero nel boschetto di betulle e il fossato diventano proporzionalmente più piccoli e stretti man mano che ci si allontana dal primo piano. Anche gli alberi diventano più piccoli man mano che si allontanano.

Prospettiva lineare inversa. Un tipo di prospettiva utilizzata nella pittura bizantina e antica russa, in cui gli oggetti raffigurati sembrano aumentare di dimensioni man mano che si allontanano dallo spettatore. L'immagine ha diversi orizzonti, punti di vista e altre caratteristiche. Quando raffigurati in prospettiva inversa, gli oggetti si espandono mentre si allontanano dallo spettatore, come se il centro di convergenza delle linee non fosse sull'orizzonte, ma all'interno dello spettatore stesso. La prospettiva inversa forma uno spazio simbolico olistico, orientato verso lo spettatore e suggerendo la sua connessione spirituale con il mondo delle immagini simboliche. Poiché in condizioni normali l'occhio umano percepisce un'immagine in prospettiva diretta e non inversa, il fenomeno della prospettiva inversa è stato studiato da molti specialisti (Fig. 22) (Belov, 2012; Levkina, 2013).

Fig.22.

Che ruolo gioca la prospettiva nella fotografia? La prospettiva lineare gioca un ruolo enorme nel lavoro di un fotografo. In fotografia, per ottenere una prospettiva lineare in una fotografia che si avvicini a quella reale, vengono utilizzati obiettivi con una lunghezza focale approssimativamente uguale alla diagonale dell'inquadratura. Per migliorare l'effetto della prospettiva lineare, vengono utilizzati obiettivi grandangolari, che rendono il primo piano più convesso, e per ammorbidirlo, vengono utilizzati obiettivi a fuoco lungo, che equalizzano la differenza nelle dimensioni degli oggetti lontani e vicini (Lapin. 2005 ).

Nonostante la natura bidimensionale della fotografia, il senso del volume in una fotografia influenza la sua percezione, quindi è importante utilizzare metodi di lavoro con la prospettiva, con i quali è possibile ottenere una percezione tridimensionale di una fotografia (Lapin, 2005) .

Esistono diversi modi in cui la prospettiva lineare si manifesta nella fotografia. Tutti si basano sulla composizione della fotografia e sulle caratteristiche della visione umana (Lapin, 2005; Morozov, 1985).

Una delle leggi ovvie della prospettiva lineare è che gli oggetti appaiono più piccoli man mano che ci allontaniamo da essi. Per imparare ad applicare questa legge, è sufficiente trovare un luogo di ripresa con ripetizione di oggetti, ad esempio: una fila di alberi, pilastri o un lungo muro, gradini e ringhiere delle scale nei parchi (Fig. 23) (Belov. 2012).

Fig.23.

Affinché la prospettiva lineare possa mostrarsi in una fotografia, è necessario avvicinarsi molto al primo oggetto di questa riga in modo che appaia enorme nella fotografia. Se si ottiene questo effetto, gli oggetti rimanenti nella riga ripetuta appariranno significativamente più piccoli, il che migliorerà l'impressione di profondità (Fig. 24) (Lapin, 2005; Belov, 2012).

Fig.24.

Un altro metodo per esprimere la prospettiva consiste nell'utilizzare linee che penetrano in profondità nella foto per conferire volume all'immagine. Gli oggetti che formano due linee convergenti funzionano bene per questo metodo (ad esempio, ferrovia). Per migliorare questo effetto, è necessario scegliere un punto di ripresa basso. Nel punto più basso del rilievo, le linee appariranno molto larghe e si sposteranno bruscamente più in profondità nell'immagine fino al punto di fuga (Fig. 25) (Harman, 2011; Wade, 1989).

Riso. 25.

Uno di i modi migliori visualizzare la prospettiva lineare nella foto: includere oggetti di varie dimensioni al suo interno. Ad esempio, da un particolare punto di ripresa, le persone nella fotografia appariranno molto piccole e, se si trovano ai piedi di una montagna, lo spettatore capirà quanto sia enorme questa montagna. Allo stesso modo, è possibile utilizzare alberi, animali, automobili o altri oggetti la cui dimensione relativa rispetto alle montagne o ad altri paesaggi spaziosi è molto diversa (Kursky e Feldman, 1981, 1991).

Tutte queste tecniche sono il risultato della capacità di osservazione del fotografo. Nella vita reale, la prospettiva lineare viene percepita attraverso la distanza. Se utilizzi piani diversi nella fotografia, sottolineando che uno degli oggetti è più vicino alla fotocamera e l'altro è più lontano, l'immagine sembrerà tridimensionale (Belov. 2012; Lapin, 2005).

Sulla base di quanto sopra, possiamo trarre la seguente conclusione: è necessario selezionare la composizione dei piani durante le riprese in modo tale che nell'inquadratura sia visibile una notevole riduzione di queste dimensioni. Buon modo per enfatizzare l'espressività della profondità dello spazio - utilizzare un obiettivo grandangolare, mentre il grado di riduzione degli oggetti nell'inquadratura aumenta notevolmente: l'albero sullo sfondo è già nettamente ridotto di dimensioni e nel terzo piano l'oggetto completamente si trasforma in un punto. Questo fenomeno crea l'illusione della lontananza e della profondità dello spazio (Morozov, 1985; Belov. 2012; Dyko, 1977).

La tecnica successiva quando si fotografa un paesaggio consiste nell'utilizzare le possibilità della prospettiva e del colore colore-tono (Wade, 1989).

Ognuno di noi ha familiarità con il fenomeno naturale quando, insieme alla diminuzione delle forme degli oggetti (con l'aumento della distanza tra l'oggetto e l'osservatore), diminuiscono anche i contrasti cromatici. L'arte fotografica moderna ha raggiunto una tale perfezione che le sue opere migliori, profonde nel pensiero, originali nelle soluzioni visive, hanno acquisito le caratteristiche della vera arte. Queste opere danno motivo di parlare della calligrafia originale dei fotografi, dello stile del loro lavoro, delle ricerche nel campo della creatività artistica e di una categoria così importante di belle arti come il colore (Buimistru, 2010; Ivanov-Alliluyev, 1971 ).

Il concetto di “colore” è arrivato alla fotografia dalla pittura, dove il colore si riferisce alla natura della relazione tra tutti gli elementi cromatici dell'immagine, alla consistenza dei colori e alle loro sfumature. L'espressione esterna del colore è il pittoresco e il colorato delle combinazioni di colori. Ma il significato delle decisioni coloristiche sta nel loro uso per esprimere contenuti, idea principale autore. Pertanto, l'apparizione di determinati colori e toni sul piano dell'immagine è sempre motivata e opportuna e vengono utilizzati per una rappresentazione veritiera, espressiva ed emotivamente impressionante della realtà. È dentro

Questa zona dà vita alla vera bellezza del colore, al suo valore artistico (Buimistru, 2010).

Un fotografo lavora sul colore delle fotografie a colori in modo completamente diverso da un pittore. Ma l’obiettivo che hanno davanti è lo stesso, e il risultato finale ottenuto con vari mezzi ha molto in comune. Sia il fotografo che l'artista si sforzano di trasmettere la verità della vita, di rivelare l'argomento in modo pittoresco ed espressivo. Entrambi operano con i colori, ottenendo armonia cromatica, ricchezza e consistenza delle sfumature di colore (Ivanov-Alliluyev, 1971).

Colori e toni del soggetto fotografico non richiedono prove particolari per affermare che la base della colorazione della futura immagine fotografica sono i colori e i toni del soggetto fotografico selezionato (Wright, 2010; Wade, 1989).

La catena di montagne (Fig. 26, 27, 28) all'orizzonte sembra essere una transizione di colore bluastro verso il cielo, al contrario, accanto all'osservatore prevalgono i colori vivaci, e soprattutto i contrasti di luce e buio; Quando viene rimosso, il colore sembra “rimpicciolirsi”, conferendo qualcosa di simile all'atmosfera principale dell'immagine. Ad esempio, guarda un albero: a causa del colore, la sua chioma sembra quasi uniforme, anche se le singole forme dettagliate diventano sempre più distinte. Se strizziamo leggermente gli occhi, queste forme dettagliate diventano più chiare e compaiono contrasti più forti di luce e buio. Il nostro occhio si concentra sul quadro generale. La stessa cosa accade quando si studia un paesaggio, in cui, con l'aumentare della profondità dello spazio, il colore azzurro in lontananza si mescola a tutti i valori cromatici (rifrazione del colore con il blu e il bianco) (Buimistru, 2010; Wade, 1989 ).

Fig.26.

Fig.27.

Riso. 28.

Si scopre che con l'aiuto del colore e delle costruzioni geometriche è possibile rappresentare un intero spazio sul piano pittorico (Belov, 2012).

Come accennato in precedenza, nella sezione sulla prospettiva, gli oggetti diventano più piccoli all'aumentare della distanza. Si scopre che anche gli oggetti perdono la brillantezza dei colori; Sembra che gli oggetti in lontananza siano avvolti nella nebbia blu. Man mano che lo spettatore si avvicina, i contrasti di colore diventano più forti, i contrasti di luce e buio sono più chiaramente definiti, ulteriori contrasti “sopraffano” i contrasti di toni caldi e freddi. Ne consegue che i colori rosso, arancione, giallo (colori caldi) fungono da approssimatori ottici. Verdi freddi, blu come neutri e blu come distanziatori. Pertanto, il cielo azzurro o le distanze grigie sono sempre percepiti come oggetti distanti, il verde occupa costantemente la via di mezzo, ma bisogna riflettere su cosa mettere in primo piano. Queste possono essere pietre rosse e marroni, rosse

o fiori gialli o altri oggetti nella gamma di colori indicata. Si scopre che il primo piano è caldo, il centro è neutro e il retro è freddo (Buimistru. 2010, Belov. 2012).

Ma la cosa più decisiva qui è l'osservazione della corrispondente situazione dell'immagine; a causa di un cambiamento uniforme di luminosità, ad esempio il passaggio dal blu al bianco, nell'inquadratura appare un'ulteriore impressione di profondità spaziale. Distanza (Belov, 2012; Morozov, 1985).

Da quanto sopra, possiamo concludere che la prospettiva tonale è uno dei mezzi importanti per trasmettere lo spazio in una fotografia e allo stesso tempo una componente importante della colorazione complessiva dell'opera fotografica. In questo modo i paesaggi non risultano piatti, ma al contrario sembrano più voluminosi. Appare la profondità dello spazio (Dyko, 1977; Buimistru, 2010).

Anche una buona illuminazione è di grande importanza per la bellezza dell’inquadratura. In questo caso si pone il problema della misurazione dell'esposizione, per andare sul sicuro

paesaggi complessi con un'enorme latitudine di luminosità devono essere ripresi con correzione: prima con l'esposizione corretta e poi, per ogni evenienza, con due sovraesposizioni e due sottoesposizioni. Per qualche ragione, i fotografi dilettanti amano fotografare i paesaggi dalle 11:00 alle 15:00 nella luce di mezzogiorno. Il sole è quasi verticalmente sopra la testa del fotografo e fornisce l’illuminazione più sfavorevole per il paesaggio. I professionisti scattano solo alla luce del mattino - dalle 7 alle 11 o la sera dalle 15 alle 19 (a queste ore il sole fornisce una bella illuminazione laterale) (Harman, 2011; Morozov, 1985).

La retroilluminazione che si verifica quando i raggi del sole al tramonto arrivano è impressionante. Per impostare correttamente la velocità dell'otturatore, l'esposimetro viene coperto con un oggetto: lascia che catturi il resto dello spazio tranne il raggio del sole (Morozov, 1985; Wright, 2010; Wade, 1989).

Conclusione: l'uso competente della luce da parte di un fotografo può creare un capolavoro riprendendo il paesaggio più ordinario, ma un uso inetto può rovinare i paesaggi più belli. La luce esprime lo stato d'animo della natura, che viene facilmente trasmesso allo spettatore. La luce solare intensa dona un'atmosfera gioiosa, il tempo nuvoloso evoca sentimenti e premure minori e la luce diffusa nella nebbia evoca una piacevole sensazione di mistero (Belov, 2012).

Oltre a tutto quanto sopra, nel paesaggio, come in qualsiasi altro genere fotografico, la composizione dell'inquadratura è di grande importanza. Per creare una composizione armoniosa dell'inquadratura, è necessario, prima di tutto, scegliere con successo il punto di ripresa o spostare leggermente la fotocamera di lato per ottenere qualche effetto inaspettato, catturando nuovi oggetti nell'inquadratura. Le regole fondamentali della composizione si basano sulle peculiarità del punto di vista di una persona, lo spettatore, che si muove attraverso l'inquadratura da sinistra a destra, fermandosi davanti al bordo. Le regole principali sono evidenziare la cosa principale nell'inquadratura. Prima di scattare una foto, devi esaminare con calma il paesaggio e selezionare l'oggetto principale su cui si concentra l'attenzione del fotografo. Il fotografo determina quali immagini e fenomeni nella vita della natura dovrebbero trasmettere allo spettatore (Levkina, 2013; Dyko, 1977).

Regola della sezione aurea. Questa regola è stata utilizzata anche dai costruttori Piramidi egiziane. È basato su quello. Che certi punti di una composizione pittorica attirano automaticamente l'attenzione dello spettatore. Indipendentemente dal formato della foto. Esistono quattro di questi punti e si trovano a una distanza di 3/8 e 5/8 dai bordi corrispondenti del telaio (Fig. 29, 30) (Belov, 2012; Kursky, Feldman, 1981).

Riso. 29.

Riso. 30.

Secondo la regola della sezione aurea, le linee e gli oggetti non devono essere posizionati al centro dell'inquadratura. E un po' di lato. Quando applichi la regola della sezione aurea, devi ricordare la linea dell'orizzonte. Che dovrebbe trovarsi su una delle linee dei terzi orizzontali: superiore o inferiore. Questa regola è chiamata “regola dei terzi” (Fig. 31) (Belov, 2012; Kursky, Feldman, 1981).

Riso. 31.

La linea dell'orizzonte in questa fotografia si trova sulla linea dei terzi orizzontali superiore. La linea dell'orizzonte non deve dividere la foto in due parti uguali. È necessario comporre l'inquadratura in modo che il cielo occupi un terzo o due terzi dell'inquadratura. Il rapporto ideale tra le proporzioni del cielo e del paesaggio è 1:2, ma è necessario ricordare le eccezioni (Lapin, 2005; Belov. 2012).

Regola delle diagonali. Questa regola dice: elementi importanti le immagini dovrebbero essere posizionate lungo le diagonali della cornice. Lo sguardo dello spettatore non si muove parallelamente ai bordi dell'inquadratura, ma in diagonale. Di conseguenza, la disposizione delle singole linee della scena lungo le diagonali viene percepita in modo armonioso e consente di collegare i contenuti dell'inquadratura (Dyko, 1977; Levkina, 2013).

Le diagonali sono “ascendenti” o “discendenti”. Le diagonali ascendenti sono dirette dall'angolo in basso a sinistra a quello in alto a destra e portano un significato ottimistico, speranza e sviluppo (Fig. 32). Le diagonali discendenti dirette dall'angolo in alto a sinistra verso l'angolo in basso a destra portano uno stato d'animo pessimistico, una sensazione di completamento (Fig. 33) (Dyko, 1977; Levkina, 2013; Belov, 2012).

Riso. 32.

"L'inizio della vita"

Riso. 33.

“Dzhanhot. Strada verso il mare"

Riso. 34.

Le diagonali sono rappresentate dai pendii delle montagne.

La caratteristica principale dei paesaggi montani è che ci sono più che sufficienti diagonali naturali nelle montagne (Fig. 34) (Belov, 2012).

Se ti guardi intorno, lo noterai il mondo intorno a noi pieno di assi orizzontali-verticali, quindi, è così importante e necessario rompere questo ordine noioso (Fig. 35) (Belov. 2012).

Riso. 35. Regola delle diagonali dei fotogrammi. Diagonale "ascendente". "Famiglia"

Saluti, cari lettori! In contatto con te, Timur Mustaev. Alcuni fotografi dilettanti considerano il paesaggio uno dei generi più basilari della fotografia. In una certa misura condivido il loro punto di vista: vai dove vuoi e scatta tutto ciò che ti passa per la testa.

Inoltre, a differenza delle riprese in studio, che richiedono notevoli costi finanziari, la natura non scomparirà e non richiederà nulla in cambio se non un attento trattamento, e la situazione cambia a seconda del periodo dell'anno, dando spazio all'immaginazione.

Ma il panorama è davvero così semplice? Scopriamolo insieme.

Cominciamo il debriefing, forse, con la definizione di questo genere e il suo posto nella realtà umana.

Il paesaggio nella fotografia

Scenarioè un genere in cui la natura è il centro dell'immagine.

Questa tendenza ha avuto origine nell'era dell'assenza di macchine fotografiche, quando artisti famosi e meno famosi uscivano all'aria aperta e trasmettevano ciò che avevano visto con l'aiuto di pennelli e colori.

Ecco perché la comprensione del significato di questo genere dovrebbe essere appresa dagli artisti realisti.

I dipinti, come nient'altro, ti permettono di sperimentare tutta la bellezza della natura, sono indissolubilmente legati al mondo interiore di una persona, ai suoi sentimenti, al suo umore e all'amore per la vita in generale;

E nella fotografia, il paesaggio non è un ridisegno accurato di questo o quell'angolo della natura, ma la propria percezione del mondo.

La fotografia di paesaggio moderna è piuttosto versatile. Le mostre di tali materiali infondono nello spettatore un gusto artistico e sviluppano l'immaginazione disegnando paralleli associativi tra loro vita reale e immagini.

Il rapporto tra l'arte fotografica e la vita ha dato origine a una nuova direzione - il paesaggio urbano, in cui l'elemento dominante non è la natura, ma il frutto della società - la città con le sue numerose strade, oggetti architettonici, piazze, così come le infinite flusso di auto e pedoni.

Il paesaggio urbano e classico affascina anche i fotografi più avari! E c'è una spiegazione per questo: scattando in questo genere puoi ottenere scatti eccellenti senza utilizzare attrezzature costose.

Tutto ciò di cui hai bisogno è desiderio, pazienza, un treppiede, una fotocamera reflex e alcune abilità nell'usarla.

Girare in questo genere, come in qualsiasi altro genere, è, prima di tutto, un processo creativo, accompagnato dalla tua visione di ciò che sta accadendo, ma, stranamente, ci sono molte regole, la cui osservanza ti salverà dal fallimento .

Fotografia di paesaggio

Chiudi per un attimo gli occhi e immagina: davanti a te si distendono spazi di inaudita bellezza e sembra che non appena si preme il pulsante di scatto, sul display della fotocamera appaia l'immagine più bella che il mondo abbia mai visto.. .

Cattura questo episodio nella tua memoria e apri gli occhi, la tua fantasia rimarrà tale e non imparerai mai a fotografare un paesaggio se trascuri le regole elencate di seguito.

• Massima nitidezza. Molti fotografi praticano la ripresa di paesaggi con un'apertura aperta, tuttavia, "molti" non è un indicatore di un buon lavoro.

Una tecnica classica per la fotografia di paesaggio è la messa a fuoco dell'intera immagine (scattare con l'apertura chiusa).

Di solito è sufficiente produrre impostazioni semplici fotocamere per ottenere una foto nitida e con esposizione moderata: lo slider è intorno a f/11-16, ma puoi fidarti dell'automatico se scatti in formato . Tuttavia, per evitare il movimento, è meglio riprendere i paesaggi utilizzando o.

• Avere significato. Per ogni foto, è importante avere un centro semantico della composizione, in modo che, come si suol dire, l'occhio abbia qualcosa a cui aggrapparsi. Il centro dell'attenzione può essere qualsiasi cosa: un edificio dalla forma interessante, un albero, una montagna, una nave in mezzo al mare, ecc.
• Regola dei terzi nella composizione complessiva dell'inquadratura. La posizione del centro semantico rispetto a tutti gli elementi e i dettagli dell'immagine è importante quanto la presenza della nitidezza.

Il riferimento dice: una foto appare più vantaggiosa quando gli oggetti da fotografare sono convenzionalmente separati da linee che dividono l'immagine in tre parti, sia longitudinalmente che trasversalmente.

• Primo piano premuroso. Posiziona i centri semantici sulla parte anteriore della foto, lasciando “spazio aereo” davanti, in questo modo potrai creare l'effetto di leggerezza e trasmettere profondità.
• Elemento dominante. Il segreto del successo della fotografia naturalistica è stato svelato: il cielo o il primo piano dovrebbero dominare l'immagine.

Se le tue foto non corrispondono a questa descrizione, probabilmente saranno considerate noiose e ordinarie.

Se capita che il cielo durante lo scatto fotografico sia poco interessante e monocromatico, spostate la linea dell'orizzonte verso il terzo superiore, così non permetterete che prevalga sul resto.

Ma se sembra che lo spazio aereo stia per esplodere o crollare al suolo con flussi di lava, inquadratelo per 2/3 e vedrete quanto può cambiare la trama di ciò che sta accadendo.

• Linee. Esistono infiniti modi per catturare al massimo la bellezza della natura. Uno di questi è la tecnica di includere linee attive nella composizione. Con l'aiuto delle linee, puoi reindirizzare lo sguardo dello spettatore da un punto semantico della foto a un altro, creando allo stesso tempo un certo recinto di spazio.

Le linee non solo creano motivi in ​​una foto, ma aggiungono anche volume. Questo vale anche per la linea dell'orizzonte, oltre la quale serve costantemente occhio e occhio.

• Movimento. Molte persone considerano le fotografie di paesaggi calme e passive. Ma non è necessariamente così! Puoi aggiungere vita a una foto con l'aiuto dell'acqua o del vento, ad esempio, utilizzare una fotocamera DSLR per catturare la violenza dell'oceano o una cascata che scorre, il soffio del vento o la caduta delle foglie da un albero, il volo degli uccelli o il movimento delle persone.

L'influenza del tempo e del tempo sulla qualità della fotografia di paesaggio

La regola d’oro del paesaggio: “La scena e il soggetto possono cambiare radicalmente da un giorno all’altro, a seconda delle condizioni meteorologiche e del periodo dell’anno”.

È un errore crederlo miglior tempo per scatti naturali: una giornata soleggiata.

Con tempo nuvoloso, in termini di effetti di luce, è un piacere scattare: grandine, nevischio e temporali possono riempire qualsiasi paesaggio con un'atmosfera minacciosa e misteriosa.

Tuttavia, c'è un effetto collaterale: la possibilità di bagnarsi i piedi, ammalarsi e dire addio per sempre alla propria DSLR, poiché l'umidità può avere un effetto devastante su tutta l'elettronica.

Per evitare ciò, pianifica la tua giornata in anticipo, prendi sul serio i tuoi preparativi: pensa a cosa indossare e in cosa avvolgere la macchina fotografica. Per questi scopi, è meglio acquistare una custodia impermeabile o almeno una che protegga l'obiettivo dalla caduta di gocce sull'obiettivo.

Non è necessario scattare sotto la pioggia: è solo un modo per ottenere immagini artistiche.

Ciò crea una luce diffusa molto morbida, conferendo alle immagini una leggerezza e uno speciale aspetto assonnato.

Una foresta coperta di nebbia sembrerà molto più misteriosa e attraente che in una giornata di sole.

Tuttavia, se le riprese si svolgono in estate o in autunno, la luce che filtra attraverso il fogliame può creare un aspetto interessante a tutta apertura.

Durante il tramonto, utilizzando , è possibile fotografare paesaggi non meno interessanti, soprattutto se il primo piano è leggermente in controluce.

Per evitare i conigli, utilizzare un paraluce o. Questo filtro è semplicemente insostituibile nella fotografia di paesaggio.

Fotografia notturna dentro tecnicamente, il più difficile. Fotografare la natura in tutta la sua natura è inutile a causa della mancanza di luce. Pertanto, devi andare dove ci sono fonti di luce artificiale: la città.

In questo caso non vale la pena usare il flash in continuazione, alzate il valore a 800-1600 e andate verso il paesaggio cittadino!

Un breve programma educativo sul tema della fotografia di paesaggio ha raggiunto il punto di non ritorno! Spero che questo articolo sia stato almeno in qualche modo istruttivo e utile. Penso di averti trasmesso il significato di come fotografare correttamente un paesaggio per ottenere i risultati desiderati.

Se sei un aspirante fotografo che vuole ottenere un successo positivo nella fotografia, allora tutto è nelle tue mani. Il miglior punto di partenza è il concetto della tua fotocamera DSLR. E uno dei video corsi sottostanti può diventare assistente. La maggior parte dei fotografi principianti, dopo aver studiato questo corso, cominciò a trattare diversamente Fotocamera reflex. Il corso ti aiuterà a svelare tutto funzioni importanti e le impostazioni DSLR, che è molto importante nella fase iniziale.

Il mio primo SPECCHIO- per i possessori di una DSLR CANON.

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Ti auguro il meglio, Timur Mustaev.

Anche se a prima vista la fotografia di paesaggio può sembrare molto semplice, in realtà è molto più che “puntare la fotocamera e fare clic sull’otturatore”. Lo scopo della fotografia di paesaggio è trasmettere lo stato interiore, esprimere qualcosa di più, e non solo mostrare il paesaggio di fronte a te.

Vediamo la realtà ogni giorno. Ecco perché, secondo me, la fotografia di paesaggio non dovrebbe limitarsi a riprodurlo. Gli oggetti non dovrebbero essere davanti allo spettatore o occupare l'intera foto: la composizione dovrebbe condurre l'occhio al punto finale della foto: il punto di interesse, il soggetto.

Come ogni altra forma d'arte, la fotografia di paesaggio ha le sue regole. Ci vuole molto tempo per padroneggiare l'illuminazione, la composizione, la selezione dei soggetti, la post-elaborazione e i risultati finali varieranno da persona a persona.

Ci sono un sacco di video là fuori con suggerimenti e idee su questo argomento, ma il punto è questo: niente di tutto ciò ha importanza a meno che non esci e inizi a fotografare il più possibile, ogni giorno, per capire cosa funziona e cosa no.

Questi sono 25 consigli e idee per la fotografia di paesaggio. Spero che li troverai utili (i dettagli su ciascuno di essi sono nel video):

1. Riprendi lo stesso soggetto all'alba e al tramonto. Luce diversa, angolazioni diverse, risultati completamente diversi.

2. Lo scatto dal basso cambia significativamente la prospettiva, creando un'immagine in più scatto interessante...una foto che non vedi tutti i giorni.

3. Se all'alba c'è nebbia, scatta in controluce in modo che la nebbia sia illuminata dai raggi del sole.

4. Le sagome si ottengono meglio prima dell'alba, con un cielo senza nuvole.

Questo un'idea semplice, come creare qualcosa di interessante in un momento poco interessante. Tutto ciò di cui hai bisogno è una forma interessante.

5. Le aree scure dirigono l'occhio verso le aree chiare.

6. Lunghe esposizioni ti aiuterà a dirti di più sul tempo: vento, temperatura, movimento delle nuvole.

7. Se ci sono nuvole scure nel cielo, questo non significa che devi restare a casa.

Luce negli spazi tra le nuvole, attraverso le nuvole: un bellissimo momento, ne vale la pena per catturarlo.

8. Una macchia di colore brillante in un triste paesaggio grigio può fare una forte impressione sullo spettatore.

9. Presta attenzione allo sfondo quando vuoi mettere in risalto il soggetto, soprattutto quando scatti in una foresta.

10. Le giornate nebbiose in inverno possono sembrare noiose.

Ma trova albero solitario e posizionarlo al centro per evidenziare il soggetto. Lo spazio negativo trasmetterà una sensazione di grande vuoto e di quanto piccolo DI albero sullo sfondo.

11. I riflessi sono sempre belli.

La terra non è sempre presente e i riflessi possono aiutare a liberarsi degli elementi indesiderati.

12. Muovere la fotocamera mentre si preme l'otturatore.

Funziona meglio quando il soggetto è chiaramente separato dallo sfondo.

13. Il contrasto può essere molto utile per separare il soggetto dallo sfondo.

Un piccolo fiore bianco su foglie verdi, appena evidenziato dalla luce, può creare una foto semplice ma bella.

14. I panorami sono un modo meraviglioso per trasmettere la scala di un paesaggio forestale.

15. Un cielo nuvoloso al tramonto potrebbe non offrire nulla...

...o regalare un quasi miracolo quando i raggi del sole irrompono tra le nuvole anche solo per un secondo.

16. A volte il cielo può diventare uno specchio del paesaggio - quando le nuvole ripetono le linee degli oggetti sul terreno.

17. Una mattina nebbiosa è un momento meraviglioso, soprattutto se ad un certo punto il sole irrompe nella nebbia.

Scegli una posizione di ripresa in modo che il soggetto sia nella nebbia, tra te e il sole.

18. Una luce alla fine di un sentiero nel bosco quando tutto il resto è buio può creare una bellissima foto.

19. Il periodo migliore per fotografare le cascate è l'inizio della primavera, quando la neve si scioglie in montagna.

20. Scatta foto di alberi che sembrano insoliti... soprattutto alberi vecchi.

21. La dimensione del paesaggio può essere trasmessa dalle montagne sullo sfondo, dietro le case: utilizza un obiettivo lungo per scattare.

22. Quando scatti in ambienti urbani, cerca linee complesse e dinamiche. Inoltre, diversi piani verticali daranno volume all'immagine.

23. Separa l'area illuminata dall'ambiente circostante utilizzando un obiettivo lungo per ottenere una foto eccezionale.

24. Quando fotografi, pensa ad altre prospettive: questo può dare una prospettiva unica su un soggetto semplice.

25. Non dimenticare di vedere i dettagli.

A volte un paesaggio di grandi dimensioni può distogliere la tua attenzione dagli elementi più piccoli. Le trame sono una cosa fantastica e possono sembrare quasi arte astratta.

Un'analisi dettagliata di tutti gli esempi è in questo video:

Spero che i suggerimenti ti siano piaciuti e che li abbia trovati utili. Continua a scattare: è l'unico modo per diventare un fotografo migliore!

Informazioni sull'autore: Toma Bonciu è un fotografo rumeno specializzato in fotografia di paesaggio e di viaggio. Gli altri suoi lavori sono sul suo sito web e nelle pagine in

Molto è stato scritto sulla fotografia di paesaggio. Non voglio ripetermi, quindi qui descriverò i punti principali e mi concentrerò sui problemi che incontro direttamente durante le riprese.

Una brevissima guida alla fotografia di paesaggio:

1. Monitora spesso l'apertura, devi chiuderla bene su F/5.6-F/16.0
2. Tieni d'occhio l'orizzonte; l'orizzonte dovrebbe “tagliare” armoniosamente l'inquadratura. Disponi con cura e attenzione le linee e le proporzioni nella cornice
3. Seguire le fonti luminose (sole)
4. Goditi il ​​risultato

Come puoi vedere, non c'è nulla di complicato nella fotografia di paesaggio. Ma il problema è che per ottenere una foto di alta qualità, devi lavorare sodo:

• Il paesaggio implica che dovrai trovarlo. Trovare un buon paesaggio non è sempre facile. Molto spesso, quando trovi un bel paesaggio, non hai la macchina fotografica con te.
• È meglio scattare al mattino e alla sera, quando non c'è il sole “forte” (forte). Scattare alla luce solare forte e calda è molto difficile.
• Poiché è meglio scattare al mattino e alla sera, e anche con diaframmi chiusi, è necessario un treppiede. Un treppiede comporta costi aggiuntivi e peso aggiuntivo durante il trasporto.
• Per realizzare buoni scatti è necessario un senso interiore di armonia, che può essere innato o sviluppato nel corso di un lungo periodo di fotografia.

I maestri della fotografia di paesaggio hanno un arsenale molto ampio di abilità e sviluppi, è inutile descriverli, poiché ogni piccolo dettaglio in un trucco sarà utile solo in un caso su cento, e la persona stessa deve scegliere esattamente; come ha bisogno di sparare in una determinata situazione.

Configurare la fotocamera per la fotografia di paesaggi

1. I paesaggi vengono quasi sempre ripresi con il diaframma chiuso: F5.6-F36.0. Il modo più semplice per farlo è in modalità priorità apertura.
2. Il valore ISO deve essere impostato al minimo: ISO 50, 100, 200,
3. Impostazione della saturazione del colore: massima
4. La messa a fuoco è migliore: manuale, preferibilmente all'infinito (sull'oggetto più lontano)

La teoria è fantastica, ma nelle riprese pratiche tutta la semplicità scompare. In primo luogo, quando si riprendono paesaggi, c'è un problema molto serio l'effetto di sovraesposizione o sottoesposizione delle aree della foto. L'esempio più comune è una foto di terra nera e cielo bianco. In questo caso: o il cielo avrà dettagli, e il terreno sarà completamente nero (scuro, senza dettagli), oppure il terreno sarà normalmente esposto, ma il cielo sarà molto schiarito (sovraesposto). Ciò ha a che fare con la gamma dinamica della fotocamera. A risolvere questo problema aiuta un filtro gradiente, che compensa la differenza nella “bagliore” della terra e del cielo. Molto spesso basta fare una correzione per “salvare” un po’ la cornice. Può essere molto utile per i paesaggi.

In secondo luogo: i paesaggi vengono ripresi con aperture chiuse (coperte).. Sulle fotocamere reflex digitali, con le aperture chiuse, sarà visibile ogni granello di polvere sulla matrice. Questo è molto fastidioso, frustrante e rovina notevolmente la foto. Ad esempio, già in F11 compaiono delle “macchie” sulla matrice (possono essere viste negli esempi di questo articolo). Su F14 le polveri sottili sono già abbastanza visibili. Puoi combattere questa malattia con l'aiuto o abbassando il numero di apertura. È divertente, ma le normali fotocamere digitali (fotocamere inquadra e scatta) e le fotocamere a pellicola sono meno suscettibili a questa malattia. D'altra parte, i portasapone soffrono molto della diffrazione sulle aperture chiuse.

Terzo: spesso, molto visivamente difficile comporre uno scatto, in modo che le linee si adattino perfettamente alla cornice. La linea dell'orizzonte sta cercando di inclinarsi. Quando scatto a mano libera, con attenzione e attenzione, e poi guardo il filmato sul computer, l'orizzonte spesso “cade” di un paio di gradi. Per alcuni soggetti anche 5 gradi sono già un errore inaccettabile. A superare l'orizzonte disseminato, accendo la “griglia” nel mirino. La griglia mostra linee che dividono l'inquadratura in 9 o 12 segmenti, il che consente di vedere immediatamente la simmetria nell'inquadratura e di posizionare l'orizzonte in modo uniforme. Quasi tutti i sistemi di controllo centrale Nikon supportano un reticolo. Alcune fotocamere hanno un orizzonte virtuale (ad esempio), che consente di controllare le linee. Bene, se riscontri problemi con le linee, puoi ritagliare l'immagine ruotando l'area in Adobe Photoshop o altri editor.

Quarto: per i paesaggi, il più delle volte Hai bisogno di un angolo di visione molto ampio, per questo usano grandangolo e . Tutti gli obiettivi “ultra-wide” presentano una distorsione (curvatura della geometria). La distorsione può rovinare notevolmente l'immagine o darle qualcosa di insolito (come l'effetto fish-eye). Tuttavia, minore è la distorsione, meglio è. Sfortunatamente, tutti gli obiettivi ultragrandangolari presentano questo svantaggio. La distorsione può essere superata utilizzando editor grafici; alcune fotocamere dispongono di una correzione della distorsione incorporata per diversi obiettivi (ad esempio). Oppure puoi scattare con un obiettivo più lungo senza distorsioni. Le foto del cielo sono state scattate con cinquanta dollari, questo obiettivo non presenta distorsioni.

Esperienza personale:

Se scatto senza treppiede, utilizzo la modalità S (prioritaria). Di solito lo imposto su un valore compreso tra 1/80 e 1/200 e so che l'apertura durante lo scatto sarà (con una buona illuminazione) molto chiusa, che è ciò che è necessario per i paesaggi. In condizioni di scarsa illuminazione, otterrò comunque uno scatto abbastanza nitido senza sfocature quando scatto a mano libera. Quando utilizzo un treppiede, lavoro in modalità A o M (priorità di apertura o modalità manuale). Con un treppiede, le riprese lunghe con diaframmi chiusi non fanno paura. Raramente fotografo paesaggi, quindi è lì che finisce la mia esperienza.

Mi viene spesso chiesto, ma quale è il migliore migliore apertura per il paesaggio? Non esiste una risposta unica. A volte, per scattare a mano libera di sera, è sufficiente F2.8, ISO 800 e a volte, per “congelare” una cascata, è necessario F/36.0 ISO 100. A proposito, a diaframmi chiusi, quasi tutti gli obiettivi (incluso il). kit uno) danno un'immagine molto nitida, quindi non ha senso cercare un obiettivo paesaggistico specializzato per scopi domestici.

La fotografia di paesaggio diventa molto più difficile se devi fotografare una persona sullo sfondo della natura. In questo caso, concentrarsi sull'infinito non sempre aiuta. Quando si fotografano persone nella natura, consiglio anche di monitorare la posizione degli oggetti nell'inquadratura e, in alcuni casi, è meglio posizionare la persona non nella zona centrale dell'immagine.

Conclusioni:

Riprendere un paesaggio non è difficile, è difficile da trovare buon posto. La cosa più importante in un paesaggio è l'armonia delle combinazioni di linee, forme, luci e ombre. Per comporre (selezionare) correttamente una fotografia basta andare a sperimentare. In pratica, l'esperienza arriva molto rapidamente.

Non dimenticare di premere i pulsanti ↓ ↓↓ reti sociali ↓ ↓↓ – per il sito. Grazie per l'attenzione. Arkady Shapoval.